『ヴァイオレット・エヴァーガーデン』10話の演出について

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振り返れば強烈なファーストカットだったと思わずにはいられない枯れ木のイメージショット。以降、度々インサートされる落ち葉のモチーフは小説『最後の一葉』を連想させ、余命幾ばくもない母親の現状を冒頭から静かに捉えていました。なにより、落ち葉でおままごとをしていた娘のアンもきっとそのことには心のどこかで気づいていて、本編中でも描かれていたように母との残された時間をなんとか掬い上げようとしていたのかも知れません。この物語はそんな子供ながらに繊細な少女の心と、その足が明日への一歩を踏み出す瞬間を非常に丁寧に積み重ね、描いた挿話でした。

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それこそアバンからして、そういった物語の方向性は顕著でした。アンがヴァイオレットに対して抱いた「凄く大きなお人形が来た」という最初の印象を刻み込むためカットバックで彼女の容姿を数度に渡り切り取った意味は大きく、その不吉さも含め、アンの視点に立ったカットの運びとモノローグが、これはアン・マグノリアの物語であることを克明に訴えかけるようでした。まだ掴みどころのない感情を抱いたアンの心にも寄せていくようロングからバストへ、バストからアップへとカメラの距離を彼女へと詰めていくのも同じこと。深く深く、まだ見ぬ少女の心に潜り込んでいこうとするコンテワーク。ぐっと惹きつけられる映像の重なりだと感じます。

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続けざまに描かれるアン主観のカット。知らない人たちへ向けられる視線の置き方。揺れる視界、強張る芝居、彼女を狭い空間へと閉じ込めるレイアウトが彼女の置かれた状況を垣間見せてくれます。不気味に変化していく女性の笑顔も拍車を掛け、やはりここでもアンの心細さというものを丁寧に表現していました。

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孤独さの表現。『ヴァイオレット・エヴァーガーデン』はこれまでもレイアウトから訴えかける心情・映像を描き続けてきましたが、この話数でもそれは変わらないのだろうと思い至らされたカットです。自身が与り知らぬところで進む会話とやり取り、心的距離。足元を映したカットから感じられる寂しさは、私が思うよりも遥かに大きく幼気な少女の心へ覆いかぶさっていたのだと思います。

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そういった心的距離は初対面のヴァイオレットに対してより顕著に反映されていくことになります。以降幾度となく映される物陰にその小さな身体を隠そうとする仕草。子供はそういうもの、という見方も勿論出来るのだとは思いますが、この話に至ってはそれだけアンが母親以外に頼る人がいないこと、だからこそ母親への愛を強く抱いていることを示したいたはずです。

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ですが時が経つにつれ、二人の距離感は縮まっていきます。大きなソファーに一人でだらんと座るアンの姿もまた印象的だった映像の中にあって、やはり二人で座る、ということには大きな意味があるのでしょう。冒頭ではお人形が唯一の話し相手であり母親の替わりであった状況から、今度はしっかりと言葉を返し、受け止めてくれる大きなお人形ヴァイオレットが、母親の替わりになる。その光景はまるで本当の姉妹、家族のようで、繰り返し呼ばれる「ヴァイオレット!」の声色からは最初に彼女が感じていた不吉さはとうに消えていました。

 

特にリボンを結ぶ手がアップカットで描かれていたのはとてもグッとくるものがありました。何故なら、アンの頭を撫でる母親の手を今話は執拗に描いていたからです。それこそ、1話ではヴァイオレットの心情を、5話では隠し切れない愛情を、7話では添える手の温もりを描いてきた本作。なによりヴァイオレットの手といものに一つ主題を置いてきた本作だからこそ、やはり手を映すということにはそれ相応の意味があるのだと思います。故に今話において、ヴァイオレットがリボンを結ぶという行為が “母親” という替え難い存在を浮き彫りにしてしまうのはもはや自明で、ヴァイオレットが母親のようにも映る一方で、決してそうではないことが克明として映し出されてしまうのです。

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それは度々描かれた窓越しに母を見つめるアンの姿が何よりの証拠でもあり、その横顔に、その視線の先に描かれる彼女の想いは決して替えが効く誰かに向けられたものではないのです。京都アニメーションが数ある作品で描き続けてきた慟哭。涙。叫び。それを託されたアンもまた変わらず、自身の心情を母親にぶつけていく。一緒に居て欲しい、寂しいのだと。終盤のシーンでは窓越しではない面と向かっての言葉であるという状況と、カメラが切り返すごとにより感情の込もる声と表情芝居が、その切実さをより強く語り掛けるようでした。

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一方で、今度はヴァイオレットへと感情をぶつけていく。誰かの替わりではなく、相対する相手として。それはアンがヴァイオレットの寝室へと訪れた時に抱いた気持ちから地続きなものであり、相手と向き合うことで描かれる少女の成長に他なりません。その証左となる横構図、「私の腕があなたの腕の様に柔らかい肌にはならないのと同じくらいーー」という台詞に反応するアンの表情。二人の手を同じカットに収めることでその違いを鮮明に切り取っていたのもきっと意図的で、どうすることも出来ないこと、それでも向き合わざるを得ないことを、アンはきっとこの時に知ったのでしょう。

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それでも泣き叫ばずにはいられない。受け入れがたいからこそ、受け入れなければいけないからこそ。なにより、それはヴァイオレットにとっても同じことなのです。逆光により落とし込まれる陰と、彼女の横顔にも刻まれる感傷的な想い。だからこそ紡ぐことの出来る「届かなくていい手紙なんてない」という言葉。そんな彼女たちの姿を映したこのシーンのラストカットは、二人が抱く想いを雄弁に語ってくれていたと思います。虚空に消える泣き叫ぶ声と、声にならない心情。抜ける空の広さがその全てを抱き留めるようで、ただただ胸を打たれました。

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また、最後も向き合うための構図が描かれていたこと、そんな添えるような演出にとても感動させられてしまいました。今度はヴァイオレットだけではなく、母親ともしっかりと対面し、向き合うために。ヴァイオレットを追い掛け門をくぐり、その一歩を踏み出して、また母の元へと戻っていく姿は、些細ながらも克明に彼女の想いとその変遷を描き切っていたように思います。

 

また、奇しくもこの時にヴァイオレットが人であることにアンが気づいたのも素敵でした。大きなお人形としてではなく、『ヴァイオレット・エヴァーガーデン』として。今後50年以上に渡り、アンの心に彼女の存在が刻まれていくのでしょうし、それはヴァイオレットを介し、アンが向き合うことを選んだ結果に他なりません。前話で描かれた「君が自動手記人形としてやってきたことも消えない」という言葉が、そのまま映像として、物語として改めて紡がれていくこと。その喜びは余りにも大きいのです。

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もちろん悲しみを捨て切れず、涙を流すことだってある。それでもなにかの影に隠れ、誰かの間に挟まれ、想いに惑い、俯いていた頃とは違う。空の青さに飾られただ一点を見つめる少女の背中は、決して孤独を映すのではなく、前を向くことの出来る一人の少女の強さを映し出してくれるのです。幾重にも変化していく時の中で変わらず、ただ一つ彼女のみちしるべとなるものはきっと遠く過去に浮かぶ母親の姿。そしてそんな二人を繋ぐヴァイオレットの手紙。エモーショナルなバックショットとその奥行きに、そんな彼女たち3人の関係性が浮かび上がるまでが、おそらくは今回の大切なテーマなのだろうと思います。

 

最初から最後まで。どこまでもアンの心に寄り添った映像であり、物語でした。そしてそんな誰かの人生を受け涙を流したヴァイオレットもまた、アンと同じくもう一歩をこの先の未来で踏み出していくのでしょう。アンにとってはその傍らにヴァイオレットが居たように、ヴァイオレットの周りにも今はその肩を抱き寄せてくれる人たちが居てくれるのだから。

 

コンテ演出は小川太一さん。向き合うことを清々しい青さをもって締め括る映像美がとてもらしく、素敵でした。何度観ても泣いてしまう挿話です。出会えたことに心からの感謝を。本当にありがとうございました。

『22/7「あの日の彼女たち」』day01 滝川みうの演出、芝居について

先日、久しぶりに『あの日の彼女たち』を観返したわけですが、映像から溢れ、受け取れるものの多さに改めて感動させられました。環境音を使いBGMをなくすことで、そのシーンを特定の感情へ誘い込むことをしない。けれど、BGMがないからこそ受け手へ緊張感が走る、だから登場人物たちに向けより強いまなざしを向けることが出来るという没入のメソッド。それはきっと監督・演出をされた若林さんが意図したことでもあるのだとは思いますが、それを実現する画面からのアプローチ、映像の組み立ても非常に情感に溢れていて、より “彼女たち” に没入するための一助となっていました。

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特に本話で強く印象に残っているのはレイアウトとライティングです。外と内、屋上と室内、ステージと袖というある種二つの場所を描いた話でしたが、それが光と影を映し、扉一枚分の境界を敷くことになるのが今回の話においては一つ大きなテーマになっていたのだと思います。暗がりの中にぽっかりと浮かぶ窓枠、そこに映るみうと外界の風景はまるで絵画そのもののようで、だからこそそれを望む二コルの視線がエモーショナルに映ってしまう。逆側から二コルを映した際にも、窓ガラスにみうの姿を映すのは非常に繊細な描写で、彼女が “なに” を見ているのか、ということがハッキリと伝わってきます。滝川みうという少女の存在感。彼女の居る風景。それを二コルに重ね描く意味はとても大きいものであったはずです。

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二コルが窓に近づくカットでも境界、光と影という分断的な演出は光ります。カット初めから彼女を映すのではなく、滲む光に歩み寄る彼女を撮ることに意味があるのでしょう。そして、扉の目の前で立ち止まるまでの芝居を描き映すことがなによりも “あの日の彼女” を捉えることに繋がっていく。視線の先を描くレイアウトとライティング。そういった映像美が、『day01滝川みう』と謳うこの話がその実、斎藤二コルの物語でもあったことを雄弁に語ってくれるのです。

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このシーンも同様です。光を纏うみうと、それを浴びる二コルの対比。特に、先日若林さんが投稿された絵コンテ段階*1では、みうが振り向くカットは構成として描かれていませんでした。さらに印象的なシーンへと変えるため、あとから追加されたカットなのだと思いますが、そういったことからもこの話が強くライティングを意識したフィルムであったことが伺えます。二コルの髪が靡き、光が滲んでいくカットも元のコンテ段階では「じわPAN?」のト書き。カメラが移動することで光の加減や印象が変わってしまうことを考えれば、やはりこのカットも光を強く正面から捉えられるものへと変えられた、ということなのでしょう。

 

『あの日の彼女たち』シリーズを振り返っても基本ライティングがフィルムの大切な要素になっているのは同様でしたが、今回の話はそういった点が顕著に描かれていて、もしかすればその軸を築き上げたのは他でもなくこのday01だったのかも知れないとさえ思えてしまいます。光源の位置、強さ、淡さ、それを見つめる人の視線、反応。そういったものを細部から築き、重ね、心情とリンクすることが出来るのは一つアニメーションの大きな強さなのだと、改めてこの話を観返すことで感じられました。

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またもう一つ、今回若林さんが投稿されたコンテに気になる記述がありました。それがこのカットにト書きされた「やるぞっと一人気合を入れる(みうらしくあくまで小さく)」という一文。小柄ながら大きく伸びる所作、だらんとした腕の振りから、小さく腕を上げる動きがとても良く、見た目からだけでは分からない彼女の新しい面を幾つも描いてくれていた芝居です。だからこそそこに「みうらしく」と書かれていたことに、なんだかとても嬉しさを感じてしまいました。登場人物たちの性格、芝居をとても丁寧に汲み取る演出であったことは本話を観れば十分に感じ取れますが、きっとそれを裏づけてくれる文章を読めたことに胸を打たれてしまったのでしょう。

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そういったト書きは『エロマンガ先生』8話の絵コンテを掲載した『若林信仕事集2』*3でも見ることが出来ます。それがこの土手でエルフがマサムネを呼び止めるシーン、添えられていたのは「エルフらしいとこなので*4」という一文でした。ミドルショットからバストショットへのポン寄り。その中で描かれるゆったりとした動きの中に感じる大きさ、大らかさがとてもエルフらしく好きだなと感じていたのもあり、そのト書きを見た時もまたすごく嬉しくなってしまったのよく覚えています。

 

エロマンガ先生』8話もまた繊細な芝居に各々登場人物たちの心情を乗せていた話ではありましたが、それは前述した『あの日の彼女たち』においても同様です。多くを語らない、喋らせない代わりに芝居、仕草で語る。だからこそ伝わるもの、浮かび上がるものがあるのだということーー。若林さんの演出回にとって “らしく” 描くということは、そんな彼女たちの側面を新たに描き、心情を語り、物語全体の質感を上げていくことへ繋がっているのかも知れません。寡黙な演出と丁寧な芝居。その両面から登場人物たちを強く支えていくフィルム。若林信さんの演出に惚れ込んでしまう理由が、そこにはありました。

何もしてあげられない (Type-A) (DVD付) (特典なし)

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*1:若林信 ツイッター https://twitter.com/huusun/status/1143476764129165312

*2:サムネ参考画像:

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*3:2017年冬発刊の同人誌

*4:一部抜粋

走り続けた貴方達へ贈る、祝福のダイアローグ――『天気の子』を観て

先日公開された新海誠監督最新作、『天気の子』。これまで新海監督が手掛けられてきた作品群と違っていたのは、まるでどこまでも走り抜けていくような迷いのなさでした。想いの変遷、機微、物語の転換ーー。その都度で描かれた雨粒の音、波紋の違いが差し示していたように、そこに何一つ葛藤がなかったのかと言われればそれは当然違うのだと思いますが、これまでの主人公像を辿れば彼らに反し帆高が一つ一つの選択に多くの時間を費やしていなかったのはとても新鮮に映りました。

*1
それは今作におけるモノローグの少なさからも分かるところだと思います。それこそ初期作である『ほしのこえ』を筆頭に、モノローグと音楽により描かれる多大な感傷性は新海監督の持ち味でもありました。特に『彼女と彼女の猫』は終始モノローグで構成され、最後の一瞬にのみ重なる各々の台詞に祈りを託していたのが、とても美しくも儚く描かれていました。

 

ですが、『言の葉の庭』『クロスロード』『君の名は。』と各作品を経ることで、新海監督作品はそういったモノローグによる自己的な感傷性から、ダイアローグによって生まれていく互い (二人だけ) の共感覚的な部分を描くことに注力するようになっていきます。簡単に言うのなら “二人は通じ合っていた / いるのだろう” という願いから、“その瞬間は間違いなく通じ合っていた” ということをより色濃く一瞬でも描くようになったということなのです。

*2

それは新作に寄せたこの予報冒頭、その約1分までの間にも描かれていました。これまでの新海誠作品で描かれてきたことの変化を繋ぎとめていく語り口。自分自身への内向的な語りから、相手を見据えるまなざしを持つことで浮かび上がる “誰か” との距離感。そして『天気の子』はさらにその先へ行くんだと、今思えばそういう熱意を感じずにはいられない編集になっていましたし、それはおそらく意図してのことだったのだろうと思います。

 

これまでの手法であったモノローグによる構成はその成を潜め、徹底した会話とやり取り、互いの感情の積み重ねにより物語が描かれていたことからは、もはや本作が “ダイアローグのその先” を描いていたと言っても過言ではないはずです。分からないこと、隠していること、秘密にしたいこと。そういうことを一つ一つ相手に伝え、伝えられ、その先で感情が輪郭を持ち始める。むしろ、分からない漠然としたものに立ち尽くしたり、立ち向かうのではなく、輪郭を持ちゆく感情に向け走り続けるからこそ『天気の子』はこれまでの作品とはまた違う質感を持った “立ち止まらない映画” になっていたのだと思います。

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そしてそれは立ち止まること、休息することを一つテーマとして描いた『言の葉の庭』とは対比的な物語にすらなっていました。登場人物たちの年齢的な差異はあれ、むしろあの作品は休むことにとても寛容で、特に物語前半部は雨に打たれることを善しとはしない映像が目立っていました。これまでも監督作品では多く描かれてきた雨宿りのシーンですが、それを凝縮したような映像美と感傷性に堪らない気持ちにさせられてしまったのを今でも鮮明に覚えています。まさに、感傷と思慮を描いた奥深いシチュエーション。ですが、それらを特に劇的に描いていたのは他でもない終盤、階段の踊り場でのシーンでした。ヒールを履かず裸足になる雪野と、それを抱き留める孝雄。降りるか、登るか (進むか、戻るか) の選択を強いる階段というモチーフの中で、彼らが選んだのは踊り場での抱擁。今この瞬間こそはしがらみを捨て素直になるという、二人だけの安らぎの場での逢瀬だったのです。

 

ですが、何度も言うように『天気の子』は “走り続ける物語” です。だからこそ、帆高が刑事たちの包囲を潜り抜け向かった非常階段、窓から飛び降り着地した踊り場が崩れ去ったのはきっとそういうことなのでしょう。まるで「お前に休んでいる暇はない、動け、走れ」と世界が彼に言い放つようなコンテワーク。非常階段を昇る際のカメラワークはまるで『言の葉の庭』のオマージュにも感じてしまいますが、そこで描かれていたのはやはり走り続ける主人公の姿だったのです。それはまるで世界が走り続ける彼を見守っているようにさえ感じてしまう映像の妙でした。

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それこそ、走ることに視点を置けば、それは『君の名は。』でも顕著として描かれた行為です。ですが、あの作品には躓き、転び、立ち止まり、一度忘れかけてしまうという行為がシークエンスの中に盛り込まれていました。それに反し、『天気の子』の終盤シーンはどれだけ壁に阻まれようと、息を切らそうと、一つの目的のため手段を選ばず走り続けるのです*3。なにより、それはその人にとっての世界を守るためではなく、たった一人を見つけるため、守るための行為であったこと。それが『君の名は。』との大きな違いであり、描いていたことの差異でもあったはずです。

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そして、それはきっと新海監督が渾身の想いを込め託した祈りに他ならないのでしょう。帆高に対し、夏美さんが多くの想いを込め「走れ!」と叫んだことも同じです。なぜなら、彼女や須賀といった「大人になると大事なものの順番を変えられなくなる」者たちの本当の気持ちをも帆高は背負い走っていたからです。自分には出来ていないこと、出来なかったこと。一人の少年が背負うには余りに大きな想いですが、そういった “青春を既に通過してしまった” 人々の想いを誰かに仮託していくのはまさしく新海監督作品に流れる奔流でもあるはずです。

 

まただからこそ、それは過去の監督作に登場した人物たちの想いとも間接的に繋がっていくことになるのです。『雲のむこう、約束の場所』で描かれた一瞬の再会。『星を追う子ども』にて描かれた、叶うことのなかった森崎の悲願。かつて、届かないものにそれでも手を伸ばし続けた彼ら、彼女らの姿。そうして大人になり、ある日の過去に目線を向けてしまうそれぞれの想いが、帆高に言うのです。ただ一言、「走れ」と。それはきっと夏美さんや須賀が仮託したものと同じ輪郭をもって語ることの出来る “願い” なのです。

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もちろん、それは『君の名は。』を初めて鑑賞した際にも同様に感じたものでした。彼らの想いが正しかったこと、その姿が美しかったと思えたことをまるで肯定するかのように走り続ける三葉の姿。彼女を見つめながら、ただただ心の中で「証明してくれ」と反芻していたのを昨日のことのように覚えています。だからこそ、そこへ新海監督が託したものになにか『天気の子』との違いがあったのかと聞かれれば、それは「同じだった」としかきっと自分は答えられないでしょう。

 

しかし、前述したように今作では “たった一人のために走ること” “手を伸ばすことを決して止めようとしない” その姿にこそ明確な違いがありました。なにか漠然としたものや大きく括ったものに対してではなく、明確にあなたのためだけへ視線を送ること。想いを馳せること。そしてそれはとても美しく、正しいのだということーー。この作品を『秒速5センチメートル』へのアンサーフィルムとして捉えることが出来たのも、そういうことなのです。天と地という圧倒的な物理的距離に引き離された『ほしのこえ』に向け、想うことは、願うことは無駄じゃないと叫んでくれたように感じられたのは、そういうことなのです。

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冒頭から帆高と陽菜に対し、前へ向かうためならば雨に打たれることも厭わないことを描いていたのも、もしかすればそんな “立ち止まらないこと” “走り続ける” ことへ寄せてのことだったのかも知れません。予報でも強調的に描かれた「強く願った」というフレーズもきっと同じことです。願うこと、祈ることというのは、それほどまでに新海監督にとって大きなものであり、だからこそそれを突き抜け描いた本作には集大成のような感慨を感じたのだと思います。

 

なにより今までは誰かが誰かに、誰かが何かへ手を伸ばすことが多かった作品群にして、両者が手を差し伸ばし、想いを届け合おうとするシーンには、ついぞ胸を焦がされます。新海誠監督作に通底する “手を伸ばし続ける” という普遍のテーマ性が、互いの手を掴み、離さないとするまでを踏み込み描いた意味の大きさ。それはまさしく、想いや言葉を積み重ねたダイアローグの先にある “願いの結実” に他ならないのです。

 

そして、映される地球の遠景ショット。東京上空に渦巻く積乱雲の群れはある種、これまでも描かれ続けてきた喪失の象徴だったのだと思います。ですが、そんな地球の背後から太陽の光が漏れ、巨大なハレーションが起きるのはきっとそうした光景さえも美しいと捉える新海監督の不変の信念であり、“二人だけ” に向けた祝福でもあったのでしょう。それは「世界のカタチを決定的に変えてしまった」としても尚、少年少女たちの想いは、願いは、聞き届けられてもいいと語り掛ける余りにも切実で、振り切れた祈り。でも、それでいいのです。だって私は、本当はそういう物語も望んでいたのだから。届かないものに手を伸ばすことを肯定して欲しかったのだから。

 

これまで強大な現実と、新海誠という一つの情念が敷いたレールの上で手を伸ばし、走り続けた “貴方たち” へ贈られた祝福。そして他でもなく、新海誠作品においては誰もが成し得なかった世界を狂わしてでも、たった一人の手を引いてみせた帆高と陽菜に贈られた最大級の祝福*4。モノローグからダイアローグへ。内に籠る想いを反芻するのではなく、伝えるということ。「自分のために願ってーー」。それこそがきっと、新海監督が語り掛けたかった全てなのだろうと今は感じています。

 

そして、自分のために願えた者たちに対し、再度この言葉が降り注ぐのでしょう。

「きっとこの先も大丈夫だと思う、絶対」と。そんな祈りに身を寄せられたことを、今は嬉しく思っています。

小説 天気の子 (角川文庫)

小説 天気の子 (角川文庫)

 

*1:新海誠監督 個人アカウント より

*2:東宝MOVIEチャンネル より

*3:須賀や刑事たちに足止めはされてしまいますが、銃を手に取ってでもあの場所に向かおうとする姿は “走り続ける” ことと同等のものとして映ったはずです

*4:雲のむこう、約束の場所』がそれに最も近いのでしょうが『天気の子』はさらに先へと前に踏み込んだと思っているので、そう表記にしました。ある意味、今作は『雲のむこう、約束の場所』を含めたあらゆる監督作へのリベンジだと感じます