『22/7「あの日の彼女たち」』day01 滝川みうの演出、芝居について

先日、久しぶりに『あの日の彼女たち』を観返したわけですが、映像から溢れ、受け取れるものの多さに改めて感動させられました。環境音を使いBGMをなくすことで、そのシーンを特定の感情へ誘い込むことをしない。けれど、BGMがないからこそ受け手へ緊張感が走る、だから登場人物たちに向けより強いまなざしを向けることが出来るという没入のメソッド。それはきっと監督・演出をされた若林さんが意図したことでもあるのだとは思いますが、それを実現する画面からのアプローチ、映像の組み立ても非常に情感に溢れていて、より “彼女たち” に没入するための一助となっていました。

特に本話で強く印象に残っているのはレイアウトとライティングです。外と内、屋上と室内、ステージと袖というある種二つの場所を描いた話でしたが、それが光と影を映し、扉一枚分の境界を敷くことになるのが今回の話においては一つ大きなテーマになっていたのだと思います。暗がりの中にぽっかりと浮かぶ窓枠、そこに映るみうと外界の風景はまるで絵画そのもののようで、だからこそそれを望む二コルの視線がエモーショナルに映ってしまう。逆側から二コルを映した際にも、窓ガラスにみうの姿を映すのは非常に繊細な描写で、彼女が “なに” を見ているのか、ということがハッキリと伝わってきます。滝川みうという少女の存在感。彼女の居る風景。それを二コルに重ね描く意味はとても大きいものであったはずです。

二コルが窓に近づくカットでも境界、光と影という分断的な演出は光ります。カット初めから彼女を映すのではなく、滲む光に歩み寄る彼女を撮ることに意味があるのでしょう。そして、扉の目の前で立ち止まるまでの芝居を描き映すことがなによりも “あの日の彼女” を捉えることに繋がっていく。視線の先を描くレイアウトとライティング。そういった映像美が、『day01滝川みう』と謳うこの話がその実、斎藤二コルの物語でもあったことを雄弁に語ってくれるのです。

このシーンも同様です。光を纏うみうと、それを浴びる二コルの対比。特に、先日若林さんが投稿された絵コンテ段階*1では、みうが振り向くカットは構成として描かれていませんでした。さらに印象的なシーンへと変えるため、あとから追加されたカットなのだと思いますが、そういったことからもこの話が強くライティングを意識したフィルムであったことが伺えます。二コルの髪が靡き、光が滲んでいくカットも元のコンテ段階では「じわPAN？」のト書き。カメラが移動することで光の加減や印象が変わってしまうことを考えれば、やはりこのカットも光を強く正面から捉えられるものへと変えられた、ということなのでしょう。

『あの日の彼女たち』シリーズを振り返っても基本ライティングがフィルムの大切な要素になっているのは同様でしたが、今回の話はそういった点が顕著に描かれていて、もしかすればその軸を築き上げたのは他でもなくこのday01だったのかも知れないとさえ思えてしまいます。光源の位置、強さ、淡さ、それを見つめる人の視線、反応。そういったものを細部から築き、重ね、心情とリンクすることが出来るのは一つアニメーションの大きな強さなのだと、改めてこの話を観返すことで感じられました。

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またもう一つ、今回若林さんが投稿されたコンテに気になる記述がありました。それがこのカットにト書きされた「やるぞっと一人気合を入れる(みうらしくあくまで小さく)」という一文。小柄ながら大きく伸びる所作、だらんとした腕の振りから、小さく腕を上げる動きがとても良く、見た目からだけでは分からない彼女の新しい面を幾つも描いてくれていた芝居です。だからこそそこに「みうらしく」と書かれていたことに、なんだかとても嬉しさを感じてしまいました。登場人物たちの性格、芝居をとても丁寧に汲み取る演出であったことは本話を観れば十分に感じ取れますが、きっとそれを裏づけてくれる文章を読めたことに胸を打たれてしまったのでしょう。

そういったト書きは『エロマンガ先生』8話の絵コンテを掲載した『若林信仕事集2』*3でも見ることが出来ます。それがこの土手でエルフがマサムネを呼び止めるシーン、添えられていたのは「エルフらしいとこなので*4」という一文でした。ミドルショットからバストショットへのポン寄り。その中で描かれるゆったりとした動きの中に感じる大きさ、大らかさがとてもエルフらしく好きだなと感じていたのもあり、そのト書きを見た時もまたすごく嬉しくなってしまったのよく覚えています。

『エロマンガ先生』8話もまた繊細な芝居に各々登場人物たちの心情を乗せていた話ではありましたが、それは前述した『あの日の彼女たち』においても同様です。多くを語らない、喋らせない代わりに芝居、仕草で語る。だからこそ伝わるもの、浮かび上がるものがあるのだということーー。若林さんの演出回にとって “らしく” 描くということは、そんな彼女たちの側面を新たに描き、心情を語り、物語全体の質感を上げていくことへ繋がっているのかも知れません。寡黙な演出と丁寧な芝居。その両面から登場人物たちを強く支えていくフィルム。若林信さんの演出に惚れ込んでしまう理由が、そこにはありました。

何もしてあげられない (Type-A) (DVD付) (特典なし)

*1:若林信 ツイッター https://twitter.com/huusun/status/1143476764129165312

*2:サムネ参考画像：

*3:2017年冬発刊の同人誌

*4:一部抜粋

走り続けた貴方達へ贈る、祝福のダイアローグ――『天気の子』を観て

先日公開された新海誠監督最新作、『天気の子』。これまで新海監督が手掛けられてきた作品群と違っていたのは、まるでどこまでも走り抜けていくような迷いのなさでした。想いの変遷、機微、物語の転換ーー。その都度で描かれた雨粒の音、波紋の違いが差し示していたように、そこに何一つ葛藤がなかったのかと言われればそれは当然違うのだと思いますが、これまでの主人公像を辿れば彼らに反し帆高が一つ一つの選択に多くの時間を費やしていなかったのはとても新鮮に映りました。

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それは今作におけるモノローグの少なさからも分かるところだと思います。それこそ初期作である『ほしのこえ』を筆頭に、モノローグと音楽により描かれる多大な感傷性は新海監督の持ち味でもありました。特に『彼女と彼女の猫』は終始モノローグで構成され、最後の一瞬にのみ重なる各々の台詞に祈りを託していたのが、とても美しくも儚く描かれていました。

ですが、『言の葉の庭』『クロスロード』『君の名は。』と各作品を経ることで、新海監督作品はそういったモノローグによる自己的な感傷性から、ダイアローグによって生まれていく互い (二人だけ) の共感覚的な部分を描くことに注力するようになっていきます。簡単に言うのなら “二人は通じ合っていた / いるのだろう” という願いから、“その瞬間は間違いなく通じ合っていた” ということをより色濃く一瞬でも描くようになったということなのです。

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それは新作に寄せたこの予報冒頭、その約1分までの間にも描かれていました。これまでの新海誠作品で描かれてきたことの変化を繋ぎとめていく語り口。自分自身への内向的な語りから、相手を見据えるまなざしを持つことで浮かび上がる “誰か” との距離感。そして『天気の子』はさらにその先へ行くんだと、今思えばそういう熱意を感じずにはいられない編集になっていましたし、それはおそらく意図してのことだったのだろうと思います。

これまでの手法であったモノローグによる構成はその成を潜め、徹底した会話とやり取り、互いの感情の積み重ねにより物語が描かれていたことからは、もはや本作が “ダイアローグのその先” を描いていたと言っても過言ではないはずです。分からないこと、隠していること、秘密にしたいこと。そういうことを一つ一つ相手に伝え、伝えられ、その先で感情が輪郭を持ち始める。むしろ、分からない漠然としたものに立ち尽くしたり、立ち向かうのではなく、輪郭を持ちゆく感情に向け走り続けるからこそ『天気の子』はこれまでの作品とはまた違う質感を持った “立ち止まらない映画” になっていたのだと思います。

そしてそれは立ち止まること、休息することを一つテーマとして描いた『言の葉の庭』とは対比的な物語にすらなっていました。登場人物たちの年齢的な差異はあれ、むしろあの作品は休むことにとても寛容で、特に物語前半部は雨に打たれることを善しとはしない映像が目立っていました。これまでも監督作品では多く描かれてきた雨宿りのシーンですが、それを凝縮したような映像美と感傷性に堪らない気持ちにさせられてしまったのを今でも鮮明に覚えています。まさに、感傷と思慮を描いた奥深いシチュエーション。ですが、それらを特に劇的に描いていたのは他でもない終盤、階段の踊り場でのシーンでした。ヒールを履かず裸足になる雪野と、それを抱き留める孝雄。降りるか、登るか (進むか、戻るか) の選択を強いる階段というモチーフの中で、彼らが選んだのは踊り場での抱擁。今この瞬間こそはしがらみを捨て素直になるという、二人だけの安らぎの場での逢瀬だったのです。

ですが、何度も言うように『天気の子』は “走り続ける物語” です。だからこそ、帆高が刑事たちの包囲を潜り抜け向かった非常階段、窓から飛び降り着地した踊り場が崩れ去ったのはきっとそういうことなのでしょう。まるで「お前に休んでいる暇はない、動け、走れ」と世界が彼に言い放つようなコンテワーク。非常階段を昇る際のカメラワークはまるで『言の葉の庭』のオマージュにも感じてしまいますが、そこで描かれていたのはやはり走り続ける主人公の姿だったのです。それはまるで世界が走り続ける彼を見守っているようにさえ感じてしまう映像の妙でした。

それこそ、走ることに視点を置けば、それは『君の名は。』でも顕著として描かれた行為です。ですが、あの作品には躓き、転び、立ち止まり、一度忘れかけてしまうという行為がシークエンスの中に盛り込まれていました。それに反し、『天気の子』の終盤シーンはどれだけ壁に阻まれようと、息を切らそうと、一つの目的のため手段を選ばず走り続けるのです*3。なにより、それはその人にとっての世界を守るためではなく、たった一人を見つけるため、守るための行為であったこと。それが『君の名は。』との大きな違いであり、描いていたことの差異でもあったはずです。

そして、それはきっと新海監督が渾身の想いを込め託した祈りに他ならないのでしょう。帆高に対し、夏美さんが多くの想いを込め「走れ！」と叫んだことも同じです。なぜなら、彼女や須賀といった「大人になると大事なものの順番を変えられなくなる」者たちの本当の気持ちをも帆高は背負い走っていたからです。自分には出来ていないこと、出来なかったこと。一人の少年が背負うには余りに大きな想いですが、そういった “青春を既に通過してしまった” 人々の想いを誰かに仮託していくのはまさしく新海監督作品に流れる奔流でもあるはずです。

まただからこそ、それは過去の監督作に登場した人物たちの想いとも間接的に繋がっていくことになるのです。『雲のむこう、約束の場所』で描かれた一瞬の再会。『星を追う子ども』にて描かれた、叶うことのなかった森崎の悲願。かつて、届かないものにそれでも手を伸ばし続けた彼ら、彼女らの姿。そうして大人になり、ある日の過去に目線を向けてしまうそれぞれの想いが、帆高に言うのです。ただ一言、「走れ」と。それはきっと夏美さんや須賀が仮託したものと同じ輪郭をもって語ることの出来る “願い” なのです。

もちろん、それは『君の名は。』を初めて鑑賞した際にも同様に感じたものでした。彼らの想いが正しかったこと、その姿が美しかったと思えたことをまるで肯定するかのように走り続ける三葉の姿。彼女を見つめながら、ただただ心の中で「証明してくれ」と反芻していたのを昨日のことのように覚えています。だからこそ、そこへ新海監督が託したものになにか『天気の子』との違いがあったのかと聞かれれば、それは「同じだった」としかきっと自分は答えられないでしょう。

しかし、前述したように今作では “たった一人のために走ること” “手を伸ばすことを決して止めようとしない” その姿にこそ明確な違いがありました。なにか漠然としたものや大きく括ったものに対してではなく、明確にあなたのためだけへ視線を送ること。想いを馳せること。そしてそれはとても美しく、正しいのだということーー。この作品を『秒速5センチメートル』へのアンサーフィルムとして捉えることが出来たのも、そういうことなのです。天と地という圧倒的な物理的距離に引き離された『ほしのこえ』に向け、想うことは、願うことは無駄じゃないと叫んでくれたように感じられたのは、そういうことなのです。

冒頭から帆高と陽菜に対し、前へ向かうためならば雨に打たれることも厭わないことを描いていたのも、もしかすればそんな “立ち止まらないこと” “走り続ける” ことへ寄せてのことだったのかも知れません。予報でも強調的に描かれた「強く願った」というフレーズもきっと同じことです。願うこと、祈ることというのは、それほどまでに新海監督にとって大きなものであり、だからこそそれを突き抜け描いた本作には集大成のような感慨を感じたのだと思います。

なにより今までは誰かが誰かに、誰かが何かへ手を伸ばすことが多かった作品群にして、両者が手を差し伸ばし、想いを届け合おうとするシーンには、ついぞ胸を焦がされます。新海誠監督作に通底する “手を伸ばし続ける” という普遍のテーマ性が、互いの手を掴み、離さないとするまでを踏み込み描いた意味の大きさ。それはまさしく、想いや言葉を積み重ねたダイアローグの先にある “願いの結実” に他ならないのです。

そして、映される地球の遠景ショット。東京上空に渦巻く積乱雲の群れはある種、これまでも描かれ続けてきた喪失の象徴だったのだと思います。ですが、そんな地球の背後から太陽の光が漏れ、巨大なハレーションが起きるのはきっとそうした光景さえも美しいと捉える新海監督の不変の信念であり、“二人だけ” に向けた祝福でもあったのでしょう。それは「世界のカタチを決定的に変えてしまった」としても尚、少年少女たちの想いは、願いは、聞き届けられてもいいと語り掛ける余りにも切実で、振り切れた祈り。でも、それでいいのです。だって私は、本当はそういう物語も望んでいたのだから。届かないものに手を伸ばすことを肯定して欲しかったのだから。

これまで強大な現実と、新海誠という一つの情念が敷いたレールの上で手を伸ばし、走り続けた “貴方たち” へ贈られた祝福。そして他でもなく、新海誠作品においては誰もが成し得なかった世界を狂わしてでも、たった一人の手を引いてみせた帆高と陽菜に贈られた最大級の祝福*4。モノローグからダイアローグへ。内に籠る想いを反芻するのではなく、伝えるということ。「自分のために願ってーー」。それこそがきっと、新海監督が語り掛けたかった全てなのだろうと今は感じています。

そして、自分のために願えた者たちに対し、再度この言葉が降り注ぐのでしょう。

「きっとこの先も大丈夫だと思う、絶対」と。そんな祈りに身を寄せられたことを、今は嬉しく思っています。

小説 天気の子 (角川文庫)

*1:新海誠監督 個人アカウント より

*2:東宝MOVIEチャンネル より

*3:須賀や刑事たちに足止めはされてしまいますが、銃を手に取ってでもあの場所に向かおうとする姿は “走り続ける” ことと同等のものとして映ったはずです

*4:『雲のむこう、約束の場所』がそれに最も近いのでしょうが『天気の子』はさらに先へと前に踏み込んだと思っているので、そう表記にしました。ある意味、今作は『雲のむこう、約束の場所』を含めたあらゆる監督作へのリベンジだと感じます

『可愛ければ変態でも好きになってくれますか？』1話の演出について

ダッチアングルや広角レイアウトなど凝った画面が多く印象に残った1話。平凡な日常の一コマでも角度をつけ、位置関係、奥行きに拘ればそれだけで “何か” が受け手に伝わっていくことを知らしめるようなフィルムになっていたと思います。もちろん、どれだけの意図が含まれていたのかは図りかねるところですが、平坦なレイアウトではなくその世界に在るものを広く見せることで没入感を与える効果、現在がどういう状況にあるシーンなのかということを明瞭として伝える意味などはやはり大きかったはずです。

くわえて、ロングショットを頻繁に挟むことで、一人一人の物語へ焦点を絞っていくような質感がより今話の良さを引き立てていたと思います。ナメを使った画面の効果もあり、どこか覗き見るような、遠巻きに登場人物たちの行動や心の内を見透かしていくようなレイアウト・構図が情感を生み出していました。このシーンにおいては劇伴含め前者をドラマチックに、後者をコメディ寄りに描いていたこともあり、前述したダッチアングルやパースのきつい画面がより主人公の慧輝へスポットを充てるよう作用していたのが面白かったです。まさしくアングル・レイアウトの機微が心の機微に繋がっていくカットだったと思います。

ロングショットにおいてもやはり効果的に使われていきます。遠巻きに映し、画面内に被写体を佇ませることで世界を二人だけのものにしているような趣きがありました。やり取り (会話) 自体の多くは寄りで描かれていますが、その節々でカメラを引く意味は、彼らから醸し出される情感を汲み取る上でとても大切であったはずです。ロングショットへの切り返しも今回多く使われていた演出。最初のカットでは二人の関係性 (会話の間) を映し、次のカットでは一人残された主人公の心情、思考に耳を傾ける 。そういった映像の運び方がフィルム全体の良さをさらに引き締めていました。

こういったカットの使い方も同様です。寄りのカットを挟みつつ、ロングショットへ切り返していく。ロングショットの中でも芝居や会話を描き、広い画面にぽつんと映る二人の関係性、親密感を浮き彫りにしていく。締めのカットも巧く、ここでも広く場所・風景の全体像、奥行きを映すことで、シーン毎における “二人だけの世界を覗いているような感覚” をより顕著に描いていました。

なにより、それは1話のテーマでもあった各々のヒロインの心情を探る物語の流れそのままの映像演出であった、ということなのです。ラブレターを書いたのは誰なのかという疑問。それを探るための心情への接近。だからこそ多岐に渡るショット・画面構成を駆使し、ぐっと登場人物たちにスポットを当てていく。今話における独特な空気感、情感の描かれ方の多くはそういった見せ方に寄るところが大きかったはずです。

広角、奥行き、ロングショット、前景。それぞれのカットで絵的な良さの違いはありますが、ここで描いていたものはやはり人物や関係性にフォーカスを寄せることなのだと思います。空間を描くからこそ、距離をとりカメラを置ける。距離をとるからこそ描ける人物像や関係性がある。そういった見せ方が本当に巧く素敵で、だからこそ物語へ没入出来るというのはこのフィルムの強度そのものに他なりません。

終盤のシーンでも不意に挟まれるロングショットが緊張感、空気感をより良くしていました。ミドルショットでも背景に奥行きを作ることでロングショットで感じられていたものと同じくらいの “二人だけの空間性” を描き出していました。遡れば劇伴の使い方、台詞回しなども多く今話の質感に影響を与えていたとは思いますが、前述してきたように
こういったカットが映像全体に与えた影響はやはり非常に強かったはずです。最後はラブコメ的に、タイトル通りの面白さを描いて終わった本編でしたが、やはり異質な空気感を生み出したフィルムの組み立て方は非常に観ていて惹き込まれるものでした。作品の第1話としてもとても素晴らしい挿話だったと思います。

コンテ演出はいまざきいつきさん。いまざきさんと言えば『あいまいみー』の監督としてのイメージが強い一方、今回の話を通して以前いまざきさんの演出回に心酔したことをグッと想い起されたのは自分としても大きなサプライズでした。

それが『旦那が何を言っているかわからない件』11話。正直、冒頭でいまざきさんが監督をやっているのを知った時、真っ先に重ねていたのがこの挿話でした。ファーストカット含め非常に多くのカットで描かれる奥行きのある画面とそれらが次第に主人公の心情にリンクしていくコンテワークは圧巻。この年に放送され視聴したアニメの中でも非常に印象に残っていた回でした。*1

きつめのパース、広角のカットの中に佇む自分と関係性の描写という点でも『可愛ければ変態でも好きになってくれますか？』1話と重なる部分が多くあります。撮影の使い方も巧く、そういったことも大なり小なり今回の作品に生きていたと思います。サブタイトル含め抜群の構成と映像から名話と言って過言ではないこの挿話。いまざきさんの演出を振り返る上でこの作品を思い出させてくれたことにも今作には感謝したいと思います。

また、ここでは触れませんが他にも『旦那が何を言っているかわからない件 2スレ目』8話や、『おくさまが生徒会長!』4話・5話などいまざきさん演出回は素敵な挿話が多く演出参加歴に並んでいます。切れのあるロングショット、奥行きがあり関係性を伝えてくれる映像、絵的に凝った観ているだけで “何か*2” を感じてしまうカットがいまざきさん演出の素晴らしさだと思っていますが、監督として携わる今回の新作がどういった作品になっていくのか。今からとても楽しみです。

可愛ければ変態でも好きになってくれますか? 01 [Blu-ray]

*1:参考：2014年テレビシリーズアニメ話数単位10選 - Paradism

*2:緊張や情感、不安、時に楽しさ